A pasos de perderse

Paseo más que recomendado, tanto para nacionales como para extranjeros. La 6ª Bienal de Montevideo transcurre hasta el 30 de noviembre en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo. Desde el vamos se destaca la accesibilidad en cuanto a días, todos, y horarios, de 11 a 19hs..

Amazonas Ancestral se titula esta edición, tema que recorre las obras de arte presentes. La muestra propone con este intercambio, entre arte y artistas de diferentes ecosistemas, reforzar vínculos entre países vecinos. 

La entrada al recinto está custodiada desde las alturas por dos indios charrúas armados de arco y flecha. Nuevamente, Pablo Uribe con su intervención Parlamento recicla entre la iconografía nacional tradicional. Esta vez emula vaciados en bronce, reproduce las esculturas Zapican de Nicanor Blanes y  Abayuba de Juan Luis Blanes, ambas en bronce, datadas en 1880. Ubica a las mismas sobre pilastras originales del edificio, que se encuentran sobre la fachada y están hace 100 años a la espera de huéspedes.

Parlamento, Pablo Úribe, Uruguay

Esto resuelve un enigma que me persigue cada vez que circunvalo el palacio, las cuatro esculturas no envolventes del exterior. Las cuatros estatuas de bronce de Giannino Castiglioni, quien en 1922 ganó un concurso internacional para la creación de las esculturas, no lucen terminación por detrás. O sea, son esculturas con frente, no están diseñadas para la contemplación 360 en un espacio abierto. Mi teoría hasta hoy era que su finalización debía haber sido con algún recurso de  paisajismo, un árbol para ser específico. Inclusive buscaba interpretar la falta de la sombra en el contexto de las escenas. Ahora: eureka, gracias al paseo del domingo sé que las bases que hoy ocupan los charrúas de Uribe son bases originales del proyecto del Palacio Legislativo para albergar figuras, las que una vez arribadas quedaron hasta el día de hoy en los jardines. Una luz, una sombra: ¿por qué en cien  años aún no han subido a su lugar correspondiente?, ¿no hay tecnología, no lo permite la estructura edilicia?, ¿es una decisión estética?…

Al ingresar al Salón de los Pasos Perdidos la visita queda en medio del fuego cruzado entre las artes visuales y la imponente arquitectura. Hay rivalidad entre texto y contexto, donde el mármol y la historia no dan tregua. Son pocas las obras que se sienten ideadas para el espacio expositivo o que logran dialogar con él en vez de competir. Sí hay montajes integrados que logran el destaque de la obra como por ejemplo, Ricardo Lanzarini con sus diez metros de Atelier amazonia, donde plasma sus impresiones del viaje al Amazonas. Una gigante y simpática ilustración sobre papel hecha a escala del magno salón. Muchas otras obras pasan desapercibidas, a tal punto que se les traspapeló una, al menos este día, y quedó escondida para el público contra una de las columnas del salón.

Atelier amazonia, Ricardo Lanzarini, Uruguay
© Photo: Luis Sosa. Bienal de Montevideo

Detalle de "Pintas de cara!", tinta sobre papel, 
Sheroanawe Hakihiiwe, Venezuela.

La presencia de culturas originarias americanas por (vergonzosamente) exóticas resulta sumamente interesante y a mi criterio, desde su “humilde” instalación, protagonizan la muestra. Aún me falta contemplación para compartir alguna idea propia sobre este atractivo conjunto de obras. Incluye, dentro de su variedad de arte contemporáneo, expresiones de comunidades yanomamis, shipibo-konibo,  indígenana paraguaya, wapichana, baniwa, mehinako, tupinambá tucumá.

Interpretar, Rita Fischer, Uruguay

Si se es buen observador, podrá encontrarse la obra de Rita Fischer Interpintar.  Me resulta enigmático reconocer el estilo de una artista al ver una rama de palma colgando. La instalación de Fischer me retrotrajo a la primera edición de la Bienal en 2013, me costó entender, prescindí de reseñarla. Confieso que Fisher está entre mis íconos personales, esta vez con una obra que sí pude disfrutar y descifrar. “La letra” que acompaña la obra versa que “...propone una pintura para pájaros: pintar para otras especies, no humanas …” me dejó pensando linealmente ¿Qué haría, haría algo, un ave si accediese a las pinturas?

También se vuelve algo lineal el tema eje, con interpretaciones poco variadas del concepto directriz Amazonas, casi reducido a su acepción geopolítica.

Con más de treinta artistas participantes AMAZONAS ANCESTRAL está HASTA EL 30 DE NOVIEMBRE. TODOS LOS DíAS, de 11 a 19hs.. En el Salón de Los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, Av. de las Leyes y Av. Libertador, Montevideo, Uruguay. ENTRADA LIBRE.

Hay que orar

Nuevamente la Iglesia de San Francisco de Asís vuelve a convertirse en templo para el arte. Las obras site-specifics conviven en resonante armonía con el monumento histórico en esta 2° edición de la Bienal de Montevideo.

Al entrar a la iglesia se nota su mejoría respecto a hace  2 años. Esta vez el arte le gana en presencia a los signos de las inclemencias vividas por el siniestrado edificio. Un coro políglota refuerza la predisposición a lo espiritual. Una polifonía compuesta por las voces de 12 artistas leyendo textos en 12 lenguas indígenas de América Latina ambienta sonoramente el recinto.

En la nave se destaca la obra del brasilero Marcelo Moscheta, al igual que la anterior realizada como una intervención al edificio pero con gran diferencia a favor en la resolución visual

Iglesia San Francisco de Asís intervenida por Marcelo Moscheta.

Oriente es el titulo de la obra, aludiendo al territorio de donde las piedras fueron extraídas y al nombre que lleva el país anfitrión, remarcando el hecho de lo especifico de la realización. Cada roca montada sobre un acantilado de parafina, emulando la proximidad al océano, tiene su chapa indicando las coordenadas de su origen.

detalle de la intervención "Oriente", Marcelo Moscheta, Brasil.

En la girola ora la obra Flor de la vida II de la artista costarricense Lucía Madriz ,  hecha con piedras y frijoles, completando la muestra en la Iglesia de San Francisco de Asís. Muestra que produce el efecto ideal del arte, disparar reflexiones que no siguen la sintaxis de ningún lenguaje lógico. En lo personal haciéndome sentir la característica de trascendentalidad espiritual que nos diferencia como especie.

La muestra puede visitarse hasta el 22 de noviembre, de martes a sábados, de 10 a 17hs. en Solis y Cerrito, Ciudad Vieja de Montevideo con entada libre.

Raíces y deseos

Comencé mi recorrido por la sede central de la Bienal, el majestuoso edificio del Banco República. La competencia entre el recinto y el contenido es ardua, agotadora para las obras que parecen esforzarse por ser escuchadas por encima de una arquitectura que se niega a callarse. El edificio es excepcional, un placer el reciclaje de función que en el aconteció pero aun en esta segunda edición es un tema inconcluso que de entrada predispone al público a interpretar las diferentes convivencias (muestra/edificio, obra/obra,...) por encima de las propuestas puntuales. Si bien esto no le niega acceso al placer, dificulta en diferentes grados la asimilación plena de varias de las obras.

Emanaciones de humo resumen un concepto que recorre la muestra. La intervención Pachacutik de Lucía Pittaluga, donde de las otrora cajas del Banco emergen sincronizadamente volutas de humo,como si el metálico y sólido espíritu que pobló el edificio bancario se transformara en un efímero espíritu del arte. PACHA significa ESPACIO/TIEMPO y KUTIK significa CAMBIOS/RETORNO,  mito andino sobre el retorno en armonía de los viejos y nuevos tiempos.

Sobre tiempos, relativamente cercanos, ocurre una lucha ingenieril entre el reloj original del edificio, en perfecto funcionamiento y la presencia aparatosa del reloj de Mark Formanek detenido en las 17.00, apresurada y poco accesible hora de cierre de la sala.

momento de "Pachacutik", Lucía Pittaluga, Uruguay.

De viejos y nuevos tiempos en  América Latina versan 3 obras que destaco. La pieza de telar tejida con mapas de diferentes ciudades hispanoamericanas con referencias a estampados de culturas precolombinas. Paola Monzillo en su "Tapiz, huellas en el territorio" muestra a esta mezcla de diseños como un deseo armónico sobre un destino escrito: América un continente cultural. Próxima a esta obra, reforzando el mensaje, que se percibe optimista, están las atractivas ilustraciones de la  argentina Adriana Bustos. Llena de técnica y de gesto los fantásticos mundos terrenales y celestes ofician de documento fundacional para  leyendas e historia de naciones hermanas del Río de la Plata.

"Tapiz, huellas sobre el territorio", Paola Monzillo, Uruguay.

detalle de "Imago mundi V", Adriana Bustos, Argentina.

Dentro de esta misma linea de lectura del acontecer político cultural de América, puede interpretarse para un contexto luso-americano la irónica obra "Espectro en rojo" de Mauricio Ianes. Irónica en el sentido de los emblemas de los 27 estados de Brasil llevados al rojo absoluto y su instalación cuales banderines de oración tibetanas preservados de cualquier brisa que eleve sus plegarias dentro del edificio bancario.

"Espectro del rojo", Mauricio Ianes, Brasil.

La muestra no se agota en estas obras, solo es un breve relato de las menos de 2 horas de recorrido. La segunda Bienal de Montevideo va hasta el 22 de noviembre, toda la información sobre esta edición se encuentra en  www.bienaldemontevideo.com

Carretera perdida

Agrego a la última visita a la selección de video arte de la Bienal de Montevideo mi comentario sobre la obra del alemán Julian Rosefeldt. "Lonely Planet" es un video protagonizado por el artista de género difícil de determinar. Podría clasificarse de registro de un inmenso happening o performance, de video arte documental o de ficción experimental, cualquier definición le cabe a medida que transcurren los casi 17 minutos que dura. Un mochilero inmerso en su viaje físico y espiritual por la India.

instante de "Lonely planet", Julian Rosefeldt, Alemania.

Una super-producción que no prescinde de recursos audiovisuales, desde los géneros cinematográficos hasta los nuevos usos más extendidos en Internet. Técnicamente impecable, muy atractivo en lo visual. Exhibido en un formato ideal por la capacidad de loop del relato, que no desvía la intención de la propuesta independiente de cuando uno ingresa a la habitación donde se proyecta.

Sin definirse desde que tipo de lenguaje audiovisual usa para armar la historia, avanza sin perder claridad. Me recuerda a varias de las películas de David Lynch, que mezcla las visiones de diferentes mundos de un mismo individuo pero difiere con estas joyas del cine en la simplicidad del relato. Es una ambigüedad muy precisa la de Rosenfeldt, en un relato multidisciplinario va uniendo los diferentes universos que nos conforman como individuo y los estímulos que de ellos recibimos que van haciéndonos persona.

fragmento de "Lonely planet"

Adjunto debajo el link al vídeo "Lonely planet" completo y a  mis anteriores post sobre la selección de vídeo en el anexo Zabala de la Bienal de Montevideo. Y les recuerdo que queda sólo hasta este sábado para poder visitar "El Gran Sur".

"Lonely planet", Julian Rosefeldt, 2006 : http://vimeo.com/55435264

Pulpopinion en la selección de video de la Bienal de Montevideo.
http://pulpopinion.blogspot.com/2013/03/casa-embrujada.html
http://pulpopinion.blogspot.com/2013/01/demoliciones.html
http://pulpopinion.blogspot.com/2013/01/survival-loop.html

Casa embrujada

Corren los últimos días de la Bienal de Montevideo "El Gran Sur". Por quinta vez la visité y me quedan aún cosas para ver. Se me hizo inabarcable, no por un exceso de la propuesta sino por encontrar obras que cautivaron mi interés e hicieron que mi tiempo ante alguna de estas fuera extenso. Reitero mi apreciación hecha en el primer posteo sobre la bienal: sin dudas recomendable, muy gratificante propuesta,en un formato efectivo para el consumo y la difusión del arte que trasciende ejes curatoriales o motivos fundacionales. Es la tercera bienal de arte que visito y me ofreció las mismas posibilidades de acercamiento al arte, con su respectiva consecuencia, que las otras. Coincidente en intenciones y muy diferenciada  en personalidad. Continúa abierta hasta el 30 de este mes y el tiempo que se le pueda dedicar sirve.

En esta oportunidad volví al edificio del Banco República, del que pensaba albergaba la selección de video arte pero descubrí que no era exactamente así. Sí es donde se encuentra el grueso de obras en ese formato, pero incluye otras en otros lenguajes, al igual que en la sede central.

Al ser la segunda visita a este pabellón, no me distraje con las obras visibles al entrar y me dirigí directo a ver que había en el subsuelo. El pasadizo que se va estrechando estalla en un paisaje urbano fantástico al llegar al lugar donde está la instalación de la alemana Ketty Kraus, provocando mi primer reacción sonora.

Frágil a la vista y también al tacto (no recomiendo tocarla) las figuras provenientes de los reflejos introvertidos que se escapan de los prismas blancos con paredes interiores de espejos juegan con nuestra imaginación. Es uno quien completa los datos para armar la imagen de ese paisaje arquitectónico en el que de repente se encuentra. Haciéndolo sentir conocido por el aporte de la fantasía o imaginario personal.

vista parcial de la instalación , sin título, Katty Kraus, Alemania

Bajo el efecto de la simpleza contundente de la obra de Kraus desciendo al otro subsuelo. Mi ímpetu es sorprendido por mi segunda reacción sonora, esta vez me asusté. También mínima, también con elementos mínimos y cotidianos esta instalación me producía sin darme tiempo un sobresalto. Si ya han leído mi blog habrán notado que cuando una obra me provoca algo ya me sirve como presa para un post. Palabras en solitario mediante, hasta risas, puse atención en esas escasas cosas que el argentino Eduardo Basualdo proponía como instalación. Pendular y misteriosa, seguramente fuente probable de muchas reflexiones, "Salón fumador" es una obra con vida o aparentemente con vida, pero que al igual que otros placeres, prefiero hacer uso que analizar en el momento. Los elementos ahí presentes: una lamparita (bombillo) eléctrica pendiendo de su cable y un vidrio.

"Salón fumador", Eduardo Basualdo, Argentina.

Pablo Uribe con el video arte "Luna con dormilones" fue otro ejemplo de como las cosas que hay en mi casa podrían verse poseídas por algún tipo de ente sobrenatural. Por su extensión, ya en la mitad de la pieza quedaba claro que no era un ready made de material en bruto de un meteorólogo de televisión, sino que había sido producido como arte. Núbel Cisneros, tan cotidiano como una lamparita y un espejo para un uruguayo,  era el único elemento visible usado para realizar la obra. Siguiendo con mi asociación a lo cotidiano, me resultó innecesario al primer contacto el salirse de ese recurso, pasando a incluir en los diálogos del meteorólogo referencias directas al arte. Redundaba en el efecto e intención de la obra que ya estaba accionando sobre nuestra imaginación para que la completemos. Esa molestia por la  intelectualización incluida fue pasajera y sin esfuerzo alguno restablecí conexión al escuchar el familiar y místico nombre de Cuneo. Me lleva a concluir que la obra de Uribe igualmente conserva ese eje vinculante a las anteriores, de estar hechas con materiales mínimos del ámbito cotidiano, el diferencial formal y la disolución aparente de intenciones corresponde al ser la visión de un artista del país anfitrión.

instante de "Luna con dormilones", Pablo Uribe, Uruguay.

Esta conexión que experimenté con las primeras obras que vi no apareció ante la pieza del uruguayo Alberto Lastreto, una edición en video de un album familiar de fotos. Como tampoco con la obra del peruano David Zink que hace uso del mismo recurso conceptual de los recuerdos familiares que Lastreto. Usa un diferente y algo original recurso plástico-formal: dos pantallas en contacto físico y por momento también sus contenidos. Pero la relación de proximidad que estaba utilizando para el consumo y disfrute de las anteriores no estuvo, más, implicaban extrañeza sus cotidianidades.

Continuará...

Pragtige slawerny

Hay hoy en Montevideo en exhibición, dos importantes e imprescindibles obras realizadas con desechos. En la Bienal de Montevideo la obra del africano El Anatsui, que viene acompañada de su reciente repercusión internacional y la muestra de uno de los artistas uruguayos contemporaneos más importantes e influyentes, Ernesto Vila, en el Centro Cultural de España. Comparto aquí mis apreciaciones de cuando fui a ver la primera y prometo pronto posteo de la segunda.

La gigante obra del nigeriano Anatsui ocupa el centro, literalmente, de la sede central de la Bienal de Montevideo. Su acceso sensible no es el más fácil. La flanquea el sonido alto y molesto de un video arte, las contaminantes intervenciones hechas en ambas filas de las ex cajas del Banco República y una comparsa de lubolos en papel mache en tamaño real, obra que confieso no llegue a saber de sus intensiones por el acoso sobre mi contemplación de "Tiled Flower Garden". Jardín de flores embaldosados es una alfombra, sugerentemente plegada, de unos 12 metros de lado realizada con metal provenientes de latas de bebidas. Técnica y sentimiento se tejen para atrapar al espectador en un laberinto aparentemente homogéneo que resulta plagado de detalles, giros y sensaciones.

detalle de "Tiled flower garden", El Anatsui, Nigeria.

El arduo y minucioso trabajo me remite a pensar un reversionado del histórico africano esclavizado, esta vez por el arte.  Seguro es reduccionista mi asociación trabajo - África - esclavo, pero nunca va a pasar a ser un hecho menor las atrocidades ya cometidas y también es reducido el contacto cultural con sociedades africanas, más allá del reciente mundial de fútbol y las noticias bélicas de Egipto y Libia.

vista parcial de "Tiled flower garden"

Esta bella esclavitud (traducida por google al afrikaans como Pragtige slawerny) hace dudar si los motivos esclavizadores son en si diferentes, que relación hay entre la supuesta motivación de un artista contemporáneo y los valores sociales que llevaron a la opresión de unos sobre otros antaño.

Para acceder a esta alfombra de El Anatsui hay que pasar por debajo o bordear la escultura de la portuguesa residente en Nueva York, Gabriela Albergaria. Realiza un ser botánico digno del Doctor Frankenstein, mutilando y resumiendo árboles autóctonos y adoptados de la flora local.

detalle de "Untilted", de Gabriela Albergaria, Portugal.

La obra resulta algo fuerte y por momentos molesta, mas que por la mutilación infringida, por el carecer de señales que ofrezcan una lectura fuera de lo formal, quizás sea parte de la propuesta de la artista. El texto que acompaña la obra no despeja mi duda, sí la llama "objeto poético" luego de describirla como "archivo de flora contemporánea de la ciudad". Es ese carácter urbano que incluye una flora y no refiere a los habitantes de dicha urbanización lo que me aleja de disfrutar de la obra, y no el no tener certeza si se usó material reciclado o se cortó un árbol para su creación.

Acaramelado el pop

Otra vez hoy fue un placer encontrarme con tanto y variado público consumiendo arte en mi ciudad.
Mi visita , la que tampoco fue exhaustiva, tuvo como destino nuevamente la sede central de la Bienal de Montevideo. Como todo lo que ya es conocido no surtió en mí el mismo impacto que la primera vez y mis apreciaciones fueron variopintas, quizás desprendidas de la sorprendente felicidad del desvirgue.

Como debe de intuirse por el título del post voy a referirme aquí a la participación nacional en este evento, específicamente a una parte de ella. La  triada de artistas nacionales que adjetivo como pop la integran Martín Sastre, Javier Abreu y Juan Burgos.

Abro refiriéndome a "U from Uruguay" video arte de Martín Sastre. Aclaro que al igual que el resto de las opiniones vertidas en este blog todo lo que opino es a modo personal y esta plagado de mi sensibilidad e imparcialidad. Con formato entre cortometraje de ficción y mega publicidad de perfume muy próximo a manifestaciones populares como las parodias de carnaval no encontró a mi parecer en la bienal el contexto ideal de exhibición. Más allá del alto volumen y tono impostado del audio de la pieza que contamina groseramente la percepción sobre otras, con una correcta factura visual y con conexiones a la paupérrima producción televisiva uruguaya, se reduce solo a un chiste.

"Consume y muere" es una instalación de Javier Abreu: un pelotero asociado a los espacios para niños de los restaurantes Mc Donalds con forma de cruz, forma que adjudica como análoga en proporciones y ubicación con la formación estelar de la Cruz de Sur.  Visualmente llamativa, esta vez Abreu propone una obra cerrada que no pasa de ser una broma irónica; ¡que cruz el sur! o pobre Sur de cruz en cruz.
La altura y las terminaciones internas de la obra le quitan el carácter de uso lúdico que a primera vista puede sugerir la obra.

detalle de "Consume y muere", Javier Abreu, Uruguay

La obra que cierra este triangulo edulcorado es "Dios y el diablo en la tierra del sol" del destacado artista local Juan Burgos. Una gran composición magnética, fiel a su estilo, caótica en símbolos. Ampliada digitalmente no contiene la proximidad y provocación de sus clásicos collages. Esta colorida yuxtaposición de iconos ofrece material de sobra para cualquier lector y hasta varias lecturas para un mismo espectador de acercarsele en diferentes momentos.  Burgos usa los símbolos básicamente dentro de significaciones vinculadas al catolicismo y la clasificación política heredada de la guerra fría.  Frente a la obra uno encuentra innumerables momentos transgresores que al contrario de generar rechazo causan simpatía. Coincide esta propuesta uruguaya en preocupación temática con la de Abreu: inquietud ante el dominio foráneo de grandes  proyectos organizados, llámese Iglesia Católica o grandes empresas capitalistas.

detalle de "Dios y el diablo en la tierra del sol", Juan Burgos, Uruguay.

Pude comprobar la magnitud de interpretaciones que provoca este gran cuadro al tener el privilegio de compartir a lo polizón la contemplación de la obra por parte de grupos de jóvenes  acompañados y re-estimulados por los guías de la sala.

guía de sala acompañando a grupo de jóvenes frente a la obra de Burgos.

Hereje

Para continuar mi recorrido por la Bienal de Montevideo opté, dado mis apretados horarios de estos días, visitar la Iglesia de San Francisco de Asis, sede de la bienal que alberga el trabajo de solo dos artistas.

El aroma a canela se adelanta a que uno entre a la abandonada iglesia. En el centro del recinto se acomoda la obra de la boliviana Sonia Falcone. Inspirada en las especias multicolores de la Fiesta Holi, ritual tradicional con base religiosa originario de la India el que se celebra a la llegada de la primavera donde todo el pueblo entra en una batalla de polvos de colores bajo los efectos del Bhang, bebida elaborada con cannabis obsequiada a los hinduistas por Krishna.
De los platos multicolores es de donde proviene el aroma a la canela que sobrevuela cualquier otro olor. Incluye la artista una nota local agregando a la saturada paleta el verde lavado de la yerba mate.

detalle de "Campo de color", Sonia Falcone, Bolivia.

La mezcla de sedimentos religiosos esta ambientada sonoramente por el brasilero Paulo Vivacqua. "Pastores" es una polifonía solemne y de aspecto sacro proveniente desde 8 puntos muy visibles. Parlantes modernos y naranjas son la cabeza de elongados seres de algodón los que emiten sonidos provocados por el viento para componer la melodía.

En este caso la obra arquitectónica elegida como espacio expositivo se suma a las instalaciones de los artistas, no como en los casos de la sede central o el edificio anexo que ofician de muy dignos albergues para el arte, sino formando parte de la diégesis del mensaje estético. Sensiblemente se esta frente a una triada mística,  el mensaje esta contenido dentro de un templo católico, hay un reversionado del uso simbólico de las especias sagradas hinduistas y como tercer mística se agrega al hombre sublimándolo por medio del arte.

vista parcial de la Iglesia San Francisco de Asís intervenida por
 Sonia Falcone de Bolivia y Paulo Vivacqua de Brasil

La experiencia tiene algo envolvente y místico, la reflexión provocada por el conjunto me remite a religiones, a las condiciones tradicionalmente aceptadas y a la indiferencia ante los cambios que han devenido y que no sirven como prueba de la caducidad de determinados valores. Como un hereje me planteo si la opción ideal sera entrar en razón sobre la realidad de las cosas o si un shopping de creencias podría ser una alternativa válida y allí cada uno optar que cantidad de ingenuidad debe o quiere aportar para elegir la religión que más le funcione.

Una recomendación: estimo que la Iglesia San Francisco de Asís no es la puerta de entrada ideal para comenzar la visita a la Bienal de Montevideo, el estado del edificio tanto en su conservación como limpieza puede generar un efecto paratextual opuesto al que provocan en el espectador las otras sedes.

Survival loop

Mi visita dominical a la bienal me rindió para dos posteos y eso que al igual que con el pabellón central de la muestra de vídeo vi una mínima parte, ni siquiera llegué a ojear el subsuelo aún.

Los días pasan como segundos para los chinos bestias de carga en "Pushing people" del chino Chen Chieh-Jen. Empujan sin cesar la pared metálica de contención sin más avance visible que el del tiempo. Una sutil síntesis de una situación social muy difundida y no por eso con una reacción avizorada para su solución.
Tanto en el trabajo abusivo como el abuso de la prohibición ideológica, China es China, Tíbet es China y hoy conquista mercantilmente, gracias a sus métodos, el globo.

fragmento de "Pushing people", Chen Chieh-Jen, China.

El audio en este vídeo corresponde al sonido ambiente general de la muestra.

Al igual que la obra de Chen la obra del inglés Darren Almond usa una única forma visual mostrando la vida de quien protagoniza el vídeo como un loop, en ambos casos no son loops técnicamente dichos pero si conceptualmente así pueden definirse. Invirtiendo el recurso de lapsos mínimos de tiempos de Chieh-Jen, Almond en un vídeo de extenso tiempo plantea lo vivencialmente cíclico de la cotidianidad  En vez de imágenes sintéticas, "Artic pull" parece narrar con imágenes tomadas de la realidad un sencillo poema también sobre la condición humana y sus posibilidades de supervivencia. Si bien el texto que acompaña la obra habla de conquistas, ese hombre arrastrando o sujeto a quien sabe qué en el enigmático contexto del ártico me lleva a reflexionar sobre lo lejos que estamos como humanos de conquistar siquiera nuestro entorno más próximo e ineludible.  

instante de "Artic pull" de Darren Almond, Reino Unido.

En ambas obras la supervivencia se me presenta como carga, si la masa a arrastrar esta delante o detrás no difiere mientras podamos continuar el loop de la supervivencia.

Demoliciones

En mi segunda jornada en la Bienal de Montevideo opté por el edificio anexo a la casa central, a la vuelta de la esquina de la sede principal, en un Montevideo que parecía el patio interno que conecta los distintos salones, con verde, sin autos ni peatones apurados, marco ideal para que el público disfrute tanto de las artes visuales como de la urbanidad que se conjugan en estos momentos en la Ciudad Vieja.

Ahí están albergadas en una gran convivencia una cantidad de obras en soporte audiovisual. Si bien al entrar un poco me aturde, la estela dejada por mi visita a la bienal ayer me predispone a recepcionarlas así. Tomo aire, confío en el montajista y me zambullo.

Para romper la presión osmótica, Afganistán y una fila de niños que esperan su turno para canjear ladrillos de alguna ruina por un dolar. Una imagen insertada de los niños parados sobre los ladrillos me lleva a asociarlo a las fotos morbosas de los soldados americanos en la prisión de Abu Ghraib, que si bien queda en Irak tiene el mismo aroma a Medio Oriente intervenido. Los niños se divierten trabajando para la artista, doble ironía de Lida Abdul. "Brick seller of Kabul" no busca herir con su forma sino que logra una reflexión simple y hasta escandalosamente fría.

instante de "Brick sellers of Kabul", Lida Abdul, Afganistán.

Mas que sobre la hegemonía del poder pienso en las razones de los funcionamientos sociales. El ser esclavo o prisionero puede tener una condición tan frívola como dolorosa, siempre real. En Brick sellers of Kabul se reproduce un sistema que construye su destrucción siendo una reflexión identificable para el globo, no solo para su contexto local.

"Safeguard emergency ligth system" es arte documental que figura como francés hecho en Tailandia por Bertille Bak. Me remite a mi reciente visionado del film Tío Boonmee que puede recordar sus vidas pasadas del realizador también tailandés Apichatpong Weerasethakul, maravilloso retrato de la cultura de Tailandia y de los últimos sentires del personaje protagónico. Estos artistas tailandeses me dejan admirado por esa cultura que se muestra tan simple y a la vez compleja que conserva la magia en su cotidianidad. Puede que a veces solo como creencia, habría que ir y vivírlo para estar seguro.

El vídeo de Bertille Bak registra la preparación y la ejecución de una sinfonía coral interpretado por los apartamentos de un edificio que protesta ante su eminente demolición para construir en su lugar un centro comercial. Preparando a los moradores para interpretar la melodía y afrontar físicamente un posible derrumbe mientras la ejecutan.

fragmento de "Safeguard emergency ligth system",

Bartelle Bak, Francia.

La documentación de esta manifestación alternativa cuestiona la funcionalidad de las protestas pacíficas, hace desear que el desenlace sea ficción y no que haya sido el final sin éxito para el coro que plantea el vídeo.

Es muy simple de entender pero subtitulada en español y no en inglés era lo que correspondía a una obra hablada en tailandés de origen francés proyectada en la Bienal de Montevideo.

Con acierto en una sala propia desintoxicada de la yuxtaposición que afecta las otras obras, se encuentra la vídeo performance firmada por Humberto Velez, de Chile. "El contrapunto (del arte)" le contesta al capricho demoledor de la naturaleza , re-formulando como vídeo arte un espectáculo musical que fue malogrado por un terremoto 8.8 en la escala Richter. 

Simple, claro, esperanzador y nostálgico. Los payadores victimas no reprimen su ser y su arte, vivaces aceptan y celebran las condiciones que pone la naturaleza y el estar aun vivos. La payada (o paya como le llaman en el vídeo)  a sala cerrada sabe que va a tener su público. Hoy lo tuvo variopinto y numeroso en Montevideo.

instante de "El contrapunto (del arte), Humberto Velez, Chile.

También de Chile, "Lucia" es una animación inquietante y atrapadora con notoria super producción plástica. Una niña y su dormitorio son los protagonistas de este contacto con un mundo interior. Un stop motion que además de animar los objetos del dormitorio interviene las paredes con dibujos en carbón que cobran vida.

fragmento de "Lucia", 

Niles Atallah, Cristóbal León y Joaquín Cociña, Chile.

Mi adjetivo para este recorrido de hoy es "demoledor",  hay quienes protestan para no ser demolidos, quienes cantan a los efectos devastadores de la demolición naturalmente provocada y quienes demuelen plásticamente su entorno para dejar ver más allá de las formas.

Continuará... 

Teletransportación

Hoy visité por primera vez la Bienal de Montevideo "El Gran Sur". Comencé por la sede principal, el hall de la casa central del Banco República.
La bienvenida al recinto me sorprendió,  frente el placer visual del entorno montevideano comenzaba mi recorrido por la bienal desafiándome a interpretar con mi olfato.
"Los olores de la guerra" obra cubana, (isla que amo y por la cual  experimento una gran melancolía) me invita a oler.

"Los olores de la guerra", Reynier Leyva Novo, Cuba.

La obra proponía olfativamente una síntesis aromática de 3 sitios históricos que fueron campos de batalla. La elegante y simple presentación de la obra no dejaba duda de como consumirla, sobre el exhibidor los secantes con las muestras de los perfumes estaban a disposición.

Fragancia José Martí "combate de dos ríos": No se si entraba a mi nariz el fuerte aroma de la carne asada que comí previamente en el mercado del puerto o si el aroma de los dos ríos es el perfume de la piel del soldado que descansa, rendido luego de la enérgica batalla o rendido ya sin vida por darse a la patria. Como fuese que descanse, el aroma es la cobija que le envuelve.

"Tri top" titulo fonéticamente percibido por mí sobre la obra china "Treetop" me remitió al artista recolectando las piezas para hacer su instalación. Usando puntas de varas armó un bosque.

"Treetop", Yang Xinguang, China.

El enorme diminuto bosque como un liquen o parásito que siempre estuvo en el edificio, algo endémico como muchos otros que  conviven con nuestra sociedad y modernización, frente a la nueva magnanimidad del antiguo banco mutó en extremo cual hada imprudente y se dejó ver.

Contagiado de ese desborde provocado por la conjunción de artes, saltó Ricardo Lanzarini de una hojilla al muro. Un dibujo armonioso en sí y con el pabellón coronaba una de las suntuosas puertas.

Un parlante alternativo emanaba una envolvente melodía  La forma de caja de sonido estaba dada por colmenas de abejas carbonizadas y apiladas y de "buffer" una roca. La armonía sonora y nuestro recorrido por la obra parecían interrelacionadas. El dato del origen de las ondas (colmenas en actividad) y la perturbadora visión de esos hogares impuestos pero hogares, carbonizados y sellados con la simpleza y la contundencia de la roca, llevaba mi fascinación a angustia en las velocidades propuestas por Céleste, la artista.

En el mismo espacio están expuestas una serie de imágenes fotográficas tomadas por un artista sudafricano en la Polinesia. La calidad de la imagen la llamaría gloriosa y están acompañadas por un montaje a su altura.

Convivencia de las obras de Céleste Boursier-Mougenot, Francia y Guy Tillim, Sudafrica.

La convivencia de la obra sonora de la francesa Céleste Boursier-Mougenot con las imágenes de largo recorrido del sudafricano Guy Tillim me proporcionaron como espectador un tour por tierras exóticas.

Por lo que termino mi primer jornada en la bienal calificándola de "transportadora", como una metáfora o como la acepción griega de la palabra metáfora: transporte colectivo.