Corriendo desnuda

Si algo concluyo desde el comienzo, es que mi visita a la retrospectiva de Yayoi Kusama en el MALBA fue toda una experiencia. Bien ubicada en mi agenda, dio la bienvenida a una ciudad de Buenos Aires que se prestó al disfrute de todos los sentidos.

Yayoi Kusama , es de origen japones, nacida en 1928,  vivió y trabajo desde 1957 hasta 1973 en Nueva York, año en que regresó a Japón y desde entonces vive allí, encerrada voluntariamente en una institución psiquiátrica.

Colas de cientos de personas esperaban para acceder a la muestra. Una ciudad internacionalmente famosa en los medios de comunicación masivos por su apología a la silicona y el led, acompañaba desde las calles al público con una colorida intervención del paisaje y la fachada del museo. Los lunares o círculos de Kusama son una de sus firmas, se prestan a interpretarse como celdas o pixeles. Coincidencia no casual,  un acercamiento más de esta artista a lo mediático o mediatizado, la cual en la actualidad se vincula con marcas como Louis Vuitton y Lancome. Mediáticos y mercamtilizados, estos bits de Yayoi acompañan colas de público ávido por ver arte contemporáneo, lo que valoriza ya de antemano la muestra a visitar.

Intervención en los alrededores del MALBA,
en ocasión de la retrospectiva de Yayoi Kusama.

Después de superada la primer cola, en la planta baja del museo, envuelta en bullicio, se encuentra una gigante instalación de pinturas recientes en acrílico sobre telas de gran tamaño. La impronta de los lunares y otras geometrías seriadas de la artista se fijan en sus soportes con firmes y matéricas pinceladas.

Acrílicos sobre tela, dimensiones variables, 2009 al 2013, Yayoi Kusama, Japón

La sala siguiente, también dedicada a su obra más reciente en pintura y acompañada de un sugerente y provocador video arte, es la antesala a "The Obliteration Room".  Instalación interactiva, un clásico del arte contemporáneo, que estaba a mi acceso y al de numerosos niños y grandes. muy inquietos de participar. Al pagar la entrada al museo te entregan los lunares autoadhesivos para colocar a criterio sobre la habitación totalmente equipada en impoluto blanco que pone a disposición la artista. Todo lo que contiene la habitación, sin importar procedencia o función, se va cubriendo de lunares, perdiendo sus formas para convertirse en una masa de color.

Participando en "The oblitertion room" ("La habitación del borramiento"), 2000-2013,
Yayoi Kusama, en el Malba.

Por escalera mecánica o por el ascensor uno sube rodeado de lunares rojos a la sección principal de la muestra Obsesión Infinita. Detallar cada obra de esta retrospectiva seria demasiado, ya que la misma es gigantesca. Recorre sesenta años, en variados lenguajes, del trabajo de Kusama. Instalación, video arte, pintura, objetos escultóricos se acompañan de variado material gráfico sobre la artista y su trayectoria. Son dos pisos repletos de arte e intervenidos visualmente para la ocasión.

La muestra del el piso superior comienza con una serie retrospectiva de pinturas en pequeños formatos de diferentes años. Se continúa con una sala donde se encuentran 4 pinturas de mayor tamaño. Los óleos sobre tela de la serie "Red infinita" realizados entorno a 1960 en Nueva York, son trabajados y matéricos, pero el mínimo empleo de recursos visuales y la falta de cromatismo lo vuelven etéreos y livianos.

Detalle de "Redes", 1960, Yayoi Kusama, Japón.

En la sala contigua aguardaban para sorprender nuevamente al espectador una serie de objetos escultóricos. Collage tridimensionales realizados sobre objetos del cotidiano intervenidos con formas orgánicas en tela pintada. Otro de los sellos de estilo de Kusama. Zapatos, maletas, utensilios de cocina, hasta un bote con sus remos son algunos de los objetos elegidos para intervenir con las formas de tela cosida o con fideos, todos ellos monocromáticos, blancos, dorados o plateados. La percepción sobre esta obra en este contexto distaba de la fuerza provocativa que ahora intuyo. Todo en ese momento se apreciaba como belleza pop, lo que no considero un error de lectura de mi parte sino una re-lectura personal debido al contexto expositivo.

Sin título (silla), tela rellena y cosida, madera, yeso y acrílico, 1963.

A continuación otra vez a hacer cola, que más que molestia me seguía fascinando la acumulación de público como a un verdadero pueblerino que soy. En esas esperas, aparte de observar una vasta selección de producción gráfica sobre Yayoi que incluye afiches, catálogos y fotografías entre otros, pude apreciar el registro de un happening donde la artista vestida solo con lunares y un chal de tul corría por Central Park, asediada por público y medios de prensa, en acto de protesta a la guerra de Vietnam que acontecía en ese momento. Al otro lado de la primera de tres largas colas,  podía apreciarse una serie de collages autorreferenciales titulados Autoborramientos, los que aparentaban ser planos o proyectos de obras, que me resultan bromas cómplices entre la artista y el público. No por llamarlos bromas estoy subestimandolos, si me provocaron la sonrisa acompañada de un incremento del respeto ante la sensibilidad de la artista. Haciéndome sentir de parte de Yayoi una necesidad de acercamiento con una sociedad que la contempla y la magnifica como artista y le dificulta ser solo una más.

"Autoborramiento N°2", acuarela, lapicera, pastel y fotocollage sobre papel,
40,4 x 50,4 cm, 1967

La larga fila daba acceso a otra famosa instalación de la artista "Salas de espejos del infinito - Campo de falos (o entretenimiento)". Un espacio infinito poblado de formas orgánicas en rojo y blanco. Apenas me dio el tiempo para contemplarlo e intentar fallidamente fotografiarlo cuando me invitaron a retirarme debido al flujo de publico ávido e impaciente por entrar a contemplar este paisaje de fantasía.

Detalle de "Sala de espejos del infinito - Campo de falos (o entretenimiento),
tela rellena y cosida, panel de madera, espejos, 1965-2013.

Otra cola mediante para ver un video registro de un happening hippie y sesentoso. Una fila más para entrar a un nuevo cuarto de borramiento. En este caso la habitación también totalmente equipada, se iluminaba con luz negra la que hacia fluorecer los lunares de colores que invadían todo. Provocando nuevamente una experiencia perceptiva singular mediante la combinación de sensaciones de proximidad de los objetos cotidianos y la singularidad sobre la acción perceptiva del ojo.

Vista parcial de la instalación "Estoy aquí, pero nada", 2000-2013.

El viaje por los paisajes fantásticos de Kusama se completa con una instalación fechada en 2011: "Sala de espejos del infinito - Plena del brillo de la vida". Moderno, impactante y cautivador. Mezcla de recursos mínimos con tecnologia y exceso. Las evidentes intensiones de causar impacto logran su efecto, disparan sinapsis múltiples y placenteras en el cerebro de quien ingresa a esa galaxia de luces de suave psicodelia.

"Obsesión infinita" es una muestra altamente recomendable, abierta a opiniones de todo tipo. Los detractores de esta artista tan dedicada a masificar públicos deben de reconocer su capacidad y cantidad de trabajo a lo largo de seis décadas dedicadas al arte, e intuyo que encontrarán en tan amplio aspecto creativo algo con que conectarse. Quienes no la conocen no se arrepentirán del contacto con su obra y seguramente la recordarán por mucho tiempo. Y quienes la conocen y no la prejuzgan gozaran a pleno de la propuesta.

"Obsesión infinita", muestra retrospectiva de Yayoi Kusama se exhibe en el Buenos Aires en el MALBA  hasta el 16 de setiembre. Continuando su gira por Latino América por Brasil: en Río, del 12 de octubre hasta el 26 de enero del 2014 en el Centro Cultural Banco do Brasil; en Brasília, del 17 de febrero al 27 de abril de 2014 en el Centro Cultural Banco do Brasil; en San Pablo del 21 de mayo al 27 de julio de 2014 en el Instituto Tomie Ohtake; culminando en Ciudad de México del 25 de setiembre de 2014 al 19 de enero de 2015 en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Alfil her

Hace ya unos días fui a ver la muestra de Tracey Emin en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Cuando supe que iba a ir a la vecina ciudad y tener ahí unas horas libre entré a internet a elegir que ver de entre las variadas propuestas que ofrecía la capital argentina. Opté por "How it feels" de esta artista inglesa contemporánea con vasta trayectoria y muy reconocida. La exposición que incluye 5 trabajos  realizados por Tracey entre 1995 y el 2000 está hasta el 25 de Febrero en ese recomendable recinto de las artes que es el MALBA.

Distraído y rural, llegué al tercer piso sin percatarme del segundo, ahí la "Cortina Joaquim Maria" me transportaba a mis imágenes más fantasiosas de un Rió de Janeiro en Carnaval. Un inmenso tapiz, estallante en color, elaborado en materiales innobles cubre la pared de todo el pasillo.

vista parcial de "Cortina Joaquim Maria", Beatriz Milhazes, Brasil.

Como la catarata que cubre la entrada a un mundo secreto del otro lado de la cortina hay una treintena de multicoloridas y multitecnicas grandes pinturas de Beatriz Milhazes. Abusando del privilegio, tomé la avalancha de color, forma y textura como impulso y posterior descanso al extasis que tendré dada la cercanía a la muestra objetivo.

Localizado "How it feels".

El título de la muestra se anuncia en neón, comienzo mi recorrido por lo que ahora creo fue el sentido inverso a lo propuesto,  la empatía con la artista es inmediata.

"Love is a strange thing" es un sencillo vídeo sin ningun tipo de parafernalia visual que logra ser más que elocuente usando un lenguaje descontracturado, libre y personal. Su tratamiento original y fino del tema de la discriminación, más para un espectador que por alguna razón le haya tocado vivírla con algún nivel del dolor, es reflexivo y removedor. Esta primer obra es más que suficiente para sentir interés por la artista y relajar los sentidos ante la serie de cachetadas que seguro esperan en el resto de la retrospectiva.

En "Riding for a fall" con muy pocos planos pero con mucho montaje Tracey, que al igual que en el anterior y en los siguientes vídeos es la protagonista, se muestra como una vaquera desvergonzada en dominio de la bestia.  Este vídeo donde la artista monta un caballo en una playa urbana trasmite una sensación de frío triunfo, justo y autentico o impuesto por parámetros sociales pero sentido como triunfal.

instante de "Riding for a fall", Tracey Emin, Inglaterra.

En "Why I never became a dancer" el mensaje general es optimista, Tracey Emin supera todo obstáculo  negándose a la frustración, se refugia en el arte y procesa sus vivencias realizándose como artista. Esta obra sobre su adolescencia muestra lo doloroso e irracional del empuje necesario para emprender su huida.  Contrastando la rudeza inicial de la primera parte donde denuncia lo experimentado, en la segunda parte con un tratamiento liviano y con intenciones de verse alegre les agradece irónicamente a los responsables de provocar su huida y darle una oportunidad mayor a cualquiera existente en su contexto social de origen.

La pieza que titula la exhibición es otro original formato entre informe periodístico y entrevista. mezclando hasta hacer uno los temas de la discriminación y las motivaciones de su hacer artístico. Un relato crudo de la situación padecida por una mujer ante los sistemas de salud  a los que le corresponde hacer uso. La necia y escandalosa mezcla que toma como ejemplo el caso de Tracey Emin  muestra como la artista encuentra en el formato vídeo con un uso convencional pero muy personal su merecida descarga terapéutica. Femenina y emocional How it feels trasmite la capacidad de superación  de la artista ante cualquier consecuencia de un acto de discriminación o frente a la dualidad de opciones que se tiene al tomar una decisión pero que ya fue tomada.

instante de "How it feels", Tracey Emin.

Este ejemplo personal de lo que por su condición de mujer le tocó padecer, hace pensar que tomó la mejor opción, la de ser ética consigo misma ante que con cualquier parámetro establecido y esto resulto un oasis y que ese oasis esta al alcance de cualquiera que comparta las características que nos diferencian como especie humana.

La muestra se completa con un video arte en un formato de pantalla de menor tamaño que el resto, una pieza con tratamiento formal muy diferente pero que la cruza el mismo concepto, también auto-referenciada y titulada Homenaje a Edvard Munch y a todos mis hijos muertos.

Para titular este post pruebo un juego de asociaciones libres, a  How it feels, digo I feel her, lo repito en voz alta y en mi inglés de santoral suena "alfil her". "Alfil" del árabe "al fil", "el elefante", representa originalmente en el ajedrez la fuerza del paquidermo en la batalla. Puede interpretarse como que la artista con su irreverencia y su fama de alcohólica topa al mundo con su arte con la fuerza de un elefante o como que la artista en el arte encontró su alfil.